Reservem alguns minutos para assistí-los porque vale à pena. Se você tiver mais alguma sugestão de vídeo bacana é só indicar que acrescentarei aqui. Os dois primeiros são voltados para os iniciantes e o último serve para quem já possui um conhecimento mais avançado sobre a ferramenta. Aproveite!

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Tutoriais em vídeo para ajustar curvas no Photoshop eh um post do Fos Grafe

Para garantir o seu PDF basta acessar esta página, fazer o download e aumentar seus conhecimentos fotográficos. Gostei bastante do resultado final (conteúdo e diagramação), por isso mais que recomendo. Todos os capítulos são bem explicados e ilustrados, bem didático, ao já conhecido estilo de Armando Vernaglia Jr. Boa leitura!

Veja o conteúdo do eBook:

O fotômetro da câmera
O fotômetro de mão
O histograma
Latitude de exposição
Flash TTL
Flash como luz de preenchimento
Flash como luz principal
Conclusões

Clique aqui e faça o download ainda hoje!

Você também pode obter o eBook através de um tweet ou escrevendo uma mensagem em seu Facebook. Clique aqui e veja como.

Fotografia DG lança um eBook gratuito: Fotometria + Flash eh um post do Fos Grafe

Medição matricial (multi-segment)
Esta medição (multissegmentada) divide a imagem em várias áreas menores para que as câmeras (com seus microprocessadores) meçam a luz. Essas pequenas áreas, na maioria das vezes, somam 35 zonas, permitem a medição da luz por toda a área do sensor. As principais empresas de equipamentos digitais têm maneiras diferentes de nomear essa opção: a Canon define como “evaluative metering” (medição de avaliação), já a Nikon chama de “matrix metering” (medição matricial). Essas leituras servem para que a câmera saiba como combinar velocidade e obturação a fim de produzir um resultado quase perfeito de medição de luz.

Medição pontual (spot)
Bastante útil para fotografar manualmente. A leitura é realizada em um pequeno espaço (1% da imagem), no centro do enquadramento. Se você estiver em uma área com iluminação diferente do seu assunto, você está em um lugar coberto, e seu objeto está sob o sol, por exemplo, esta é a melhor opção para medir a luz solar, e não a sombra em você.

Medição com ênfase no centro (avarage)
Aqui toda a atenção da câmera ficará apenas no centro do enquadramento, dando menos atenção ao que está próximo às bordas. Talvez você não encontre utilidade para isso, mas pode servir para salvar o uso do flash, por exemplo. Em muitos casos a fotografia fica subexposta. O que vale mesmo é tentar para ver qual a melhor combinação para cada caso.

Fotômetro portátil manual
Essa ferramenta é mais interessante para quem utiliza luzes e flashes extras (fora da câmera). A ideia do fotômetro é medir a exposição e a luz incidente do flash, isso quer dizer que ele mede a luz que incide sobre o objeto e não a que é refletida por ele. Sua melhor função é a capacidade de medir a clareza e a intensidade da luz de um flash de estúdio não-específico, coisa que o medidores convencionais das câmeras não conseguem fazer. O “problema” é que ele não leva em conta a coloração e nem a densidade do objeto, por isso é mais indicado (para amadores) o uso em objetos comuns, com meios-tons. Sua maior indicação é para fotografias complexas, que exijam iluminação em estúdio.

Padrões de fotometria – as medições de luz eh um post do Fos Grafe

Para trabalhar nesta área é preciso, acima de tudo compreender o que está na moda, mesmo que você trabalhe com uma equipe completa de produtores, estilistas, maquiadores e cabelereiros. Há casos em que a modelo encana que quem deve decidir tudo é apenas o fotógrafo, imagine uma pessoa desinformada tendo que combinar roupas e escolher as melhores cores para a maquiagem ou até o melhor penteado. Mas, se formos parar para pensar é assim mesmo que deve ser feito, afinal o resultado final levará o nome do fotógrafo, portanto ele deve sempre dar opiniões e mudar o que achar necessário.

Entretanto não é o que vemos por aí. Fotógrafos mergulham no mundo da fotografia de moda, mas esquecem destes detalhes. São poucos os que procuram estudar maquiagem e estilo, e são exatamente estes que ganham destaque no mercado, porque embora o fotógrafo de moda fique de fora da passarela, para se destacar, precisa desfilar muita qualidade e conhecimento. Portanto, se você deseja migrar para esta área fique antenado em todas as novidades fashion e explore todas as suas possibilidades – anúncios, books, editoriais, catálogos etc.

Para quem está começando ou para quem gosta de listas que inspirem reflexão, seguem as sete realidades da fotografia de moda…

1. Misturar prazer carnal com trabalho é inaceitável, o fotógrafo nunca deve cobiçar a modelo – o que também vale para as fotógrafas.

2. Desfile é bom, mas também é cansativo. Se você deseja trabalhar nas passarelas esteja preparado para correr, se espremer e tomar algumas cotoveladas, principalmente se a ideia for encarar grandes semanas de moda pelo mundo. Eu fotografei o São Paulo Fashion Week e sei bem o que estou dizendo, todos os fotógrafos se respeitam, mas a luta pelo melhor ângulo é inevitável e a sequência de desfiles faz você perder alguns quilinhos para trocar de sala às pressas.

3. É preciso ter simpatia e saber dirigir modelos. Muitas modelos não sabem como devem agir, qual posição fazer, se devem ou não sorrir, por isso é necessário estar preparado para situações como esta. Isso você só conquista com a prática, não é o tipo de coisa que se aprende em cursos – apesar de alguns tentarem.

4. É preciso ter iniciativa, criatividade e conceitos diferenciados para produzir imagens que tenham estilo próprio. Raramente o fotógrafo participa das reuniões de pauta de editoriais de revistas, ele é contratado, recebe uma breve explicação do produtor e tem que se virar com o que aparecer para ser registrado. Portanto esteja preparado!

5. Estude sempre. Como já mencionei anteriormente, o fotógrafo deve manter-se atualizado sobre o mundo fashion, dedicar alguns momentos à pesquisa de maquiagem e moda, assistir desfiles, fotografar desfiles simplesmente para praticar, envolver-se com produções de roupas e buscar inspirações na arte e na literatura.

6. Fama e dinheiro é muito difícil de conquistar. Muitos fotógrafos trabalham de graça fotografando uma supermodelo apenas para ver seu nome sendo divulgado em algum veículo conceituado, mas isso vai de cada um decidir. Só ganha dinheiro nesta área quem consegue construir um bom nome, não precisa ser famoso, mas precisa ser reconhecido.

7. Nem tudo são flores. Existem desfiles muito demorados, modelos muito chatas, estilistas insuportáveis, maquiadores e cabelereiros que se julgam mais importante que o fotógrafo. Quando mais você crescer no mundo fashion, mais você encontrará pessoas de egos inflados, esteja preparado para isso também.

Gostou? Então dedique-se ao máximo e faça tudo da melhor maneira possível, não há como errar assim. Se você estiver precisando de inspiração para começar, seguem alguns nomes importantes da fotografia de moda:

Bob Wolfenson

Tiago Molinos

Peter Lindbergh

Fran Beaufrand

Steven Meisel

As 7 realidades da fotografia de moda eh um post do Fos Grafe

É preciso ter sentimentos apurados a respeito de um momento, para passar a mesma sensação que o fotógrafo sentiu ao imaginar aquela cena emoldurada nos limiter de uma fotografia. Mas também é preciso também ter muita criatividade!

A questão principal das imagens que você verá aqui é que elas não são exatamente o que parecem ser… A montanha distante coberta de neve não é alta, a água cristalina e azul não é molhada e o céu, não é exatamente um céu limpo ou com nuvens. Na realidade, estas cenas foram produzidas em miniaturas, fotografadas como maquetes – a cachoeira da foto acima, por exemplo, foi feita com sal (acredita?).

Matthew Albanese não é somente um fotógrafo, é também um artista criador de mundos. Nos últimos anos ele vem construindo miniaturas de belas cenas de paisagens e fotografando tudo para que pareça o mais real possível. Ele faz tudo sozinho, arrumando cada detalhe da maneira que acha ser melhor até que as maquetes fiquem perfeitas para serem registradas, resultando em fotografias extraordinárias.

As nuvens mais ameaçadoras são feitas de algodão, lã e um pouco de aço; uma mesa de vidro vira uma superfície ondulada de um belo lago e a quantidade certa de argamassa se transforma nos picos gelados das montanhas mais distantes. Mas é claro que não é só isso que produz o efeito realístico, uma boa profundidade de campo e uma iluminação milimetricamente pensada ajuda a criar registros tão impressionantes.

Sem mais detalhes, ninguém melhor que o próprio Matthew para definir o que faz: “Meu trabalho envolve a construção de pequenos modelos meticulosamente detalhados, utilizando diversos materiais e objetos para criar paisagens emotivas. Cada aspecto da construção da iluminação do modelo final é cuidadosamente pensado para cada perspectiva e ângulo que desejo registrar. É usando mistura de técnicas fotográficas (profundidade de campo, balanço de branco, iluminação etc.) que sou capaz de alterar drasticamente a aparência das maquetes”.

Confira mais algumas fotos, veja como foram feitas e inspire-se!

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Fotografia de natureza em miniaturas eh um post do Fos Grafe

A fotógrafa Natalie Norton explica e mostra seis maneiras diferentes para você segurar sua câmera quando estiver usando baixas velocidades, evitando os borrões. O texto foi originalmente publicado no excelente blog (em inglês) Digital Photography School. Gostei tanto que resolvi traduzir para vocês. Aproveitem as dicas!

1. Cotovelos juntos
Sempre que possível, deixe os cotovelos na frente do corpo, bem juntos, e solte todo o ar do peito antes de fazer o click. Quando você estiver usando grandes aberturas ou baixas velocidades, a respiração mais sutil pode fazer a imagem tremer. Se você deixar os cotovelos bem juntos ao corpo terá mais firmeza e controle da câmera. Você também pode pressioná-los com firmeza contra a barriga.

2. Levante o ombro esquerdo
Levante o ombro até que ele quase encoste no queixo, deixando o cotovelo bem próximo à costela. Você também pode encostar o cotovelo direito no peito, para ter mais estabilidade. Como sempre, solte todo o ar antes de pressionar o botão.

3. Faça um tripé com o joelho
É simples, deixe seu cotovelo em cima do joelho quando você estiver sentado. Deixe o outro cotovelo também bem próximo ao corpo, mas ter maior controle.

4. Deite-se
As duas imagens seguintes representam a maneira mais óbvia de evitar os borrões sem o uso do tripé. Deite-se e deixe a objetiva bem próxima ao chão. O problema é que você ficará com uma inclinação bem baixa, o que provavelmente não ajuda se não quiser fotografar a calçada, por exemplo. Na primeira imagem a mão está espalmada contra o cimento, equilibrando a lente sobre ela. Na segunda, coloquei a câmera sobre o punho fechado, para ficar com uma altura maior.

5. Segure como se fosse uma metralhadora
Essa técnica é feita exatamente como costuma-se segurar uma metralhadora. É pouco utilizada, por ser um tanto desajeitada e difícil de aguentar por muito tempo. Mas vale experimentar, você pode se dar muito bem com ela.

6. Agaixe-se
Aqui você cria uma espécie de berço para a lente, entre o ombro e o punho. Também é preciso controlar o equilíbrio apoiando o cotovelo sobre o joelho, para ter firmeza.

Fonte aqui!

Segure sua câmera corretamente eh um post do Fos Grafe

A publicidade acima, de 1904, foi a responsável pela difusão do efeito. A ideia mesmo é ir repetindo a imagem até o infinito, como acontece quando colocamos dois espelhos, um de frente para o outro. Também pode ser considerado o casamento perfeito entre a fotografia e a matemática! Numa imagem real, o limite para distinguirmos as imagenas, só é possível ser feita com três ou quatro repetições.

Há, também, uma segunda definição para o efeito, o termo francês mise en abyme, que significa “cair no abismo”, usado pela primeira vez por André Gide (escritor francês) ao descrever narrativas que contêm outras narrativas dentro de si. Mise en abyme pode aparecer na pintura, no cinema, na literatura e, por que não, na fotografia. Um exemplo de pintura é o quadro “As Meninas”, de Velasquez, que incluiu um pequeno quadro dentro da cena (imagem abaixo).

Mas na fotografia a ideia é bem diferente, mais parecida com a da publicidade do Droste, por isso ganhou esta definição. E a intenção hoje é exatamente mostrar para vocês como esse efeito é bem executado por fotógrafos do mundo todo. Encontrei algumas imagens no Flickr para ilustrar, muitas são feitas com Photoshop, mas nem por isso desmerecem apreciação. Inspirem-se!

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O efeito Droste na fotografia (mise en abyme) eh um post do Fos Grafe

Hoje vou atender a alguns pedidos que recebi depois de ter publicado o post Faça sua lente tilt-shift. Percebi que muita gente ainda não sabe criar o efeito em programas de edição, por isso vou mostrar como é simples, através do Photoshop.

1. Escolha a fotografia certa

Não são todas as imagens funcionam bem com o tilt-shift. Antes de fotografar ou escolher uma foto para fazer a edição você deve ter em mente que o resultado final é fazer a cena parecer uma maquete, uma miniatura. Podemos dizer que as melhores imagens são aquelas fotografadas de um ponto de vista elevado, cenas com estradas, prédios e tráfego (carros e pessoas) são as mais interessantes. Escolhi a fotografia abaixo, que fiz de um prédio do Vale do Anhangabaú (SP), apenas para ilustrar o tutorial.

2. Criando uma máscara

Depois de abrir a imagem no Photoshop, ative o modo Quick Mask através da barra de ferramentas ou simplesmente tecle “Q” no seu teclado. Em seguida, selecione a ferramenta gradient ou tecle a letra “G” do teclado, mas tenha certeza de estar usando a gradient, pois o comando também serve para o balde de tinta que não será usado em nenhum momento. Se você só vê o baldinho, clique nele e segure até aparecer o menu para escolher a outra ferramenta.

Com a ferramenta selecionada, faça uma linha vertical dentro da imagem. O início define a área de foco, o fim define a transição para o desfoque, como na imagem abaixo. Não esqueça de ativar a opção destacada em vermelho!

Tente imaginar o resultado final para ter certeza de que é assim que você deseja. Para continuar você deve desativar o modo Quick Mask, através da barra de ferramentas, ou teclando “Q” no teclado. Aparecerá dois quadros quadiculados na sua imagem.

3. Ajustando o foco

No menu selecione Filter > Blur > Lens Blur. Faça os ajustes como você preferir. A opção Radius define quanto desfoque terá na imagem. Aqui já dá pra ver a miniatura aparecendo. Quando estiver satisfeito, dê ok. Os quadrados ainda estarão na sua imagem, pressione Ctrl + D para que eles sumam.

4. Finalizando com cores e contrastes

Muitas pessoas param no passo anterior, mas o segredo para a imagem ficar ainda mais parecida com uma miniatura é fazer alguns ajustes na coloração e nos contrastes. Miniaturas tendem a ser bem coloridas, então aumente a saturação, pressionando Ctrl + U ou através do menu Image > Adjustments > Hue/Saturation. Defina o valor que você preferir, na minha imagem apliquei valor 20 de saturação, porque já estava bem colorida.

Depois basta aumentar o nível de contraste da imagem, se você quiser (esta opção pode não ser necessária em alguns casos), pressionando Ctrl + M ou através do menu Image > Adjustments > Curves. Na minha foto eu preferi dar mais ênfase nas partes escuras, vá testando com a imagem que você escolheu até encontrar o que te agrada.

Pronto!

Tilt-shift – Tutorial de PS eh um post do Fos Grafe

Luz frontal
Aqui a fonte de luz fica atrás da objetiva, gerando sombras reduzidas. Isso gera uma imagem “chapada” (a sensação de tridimensionalidade fica em segundo plano), mas registra muito bem as cores presentes na cena.

Contraluz
A luz fica atrás do assunto. A exposição pode ser regulada a fim de realçar detalhes, ou para transformar algo em silhueta, deixando o fundo em destaque. É uma ótima técnica para fotografar objetos transparentes (vidro, acrílico, plástico etc.), porque ressalta as extremidades e realça as formas.

por slimmer_jimmer

Luz direcionada
Você também pode escolher um lugar específico: lateral, esquerda, direita, cima, baixo). Tudo depende do efeito que você desejar. Uma iluminação direcionada, através das sombras, dá mais volume e realça a textura do assunto.

Luz dura
Nada mais que uma luz direta. Ela cria sombras bem definidas e é comumente usada para criar imagens dramáticas ou que pretendem destacar texturas.

por Stéfan

Luz difusa
É uma luz mais suave, filtrada. É bem distribuída pela cena, iluminando com uma só intensidade. Não produz grandes contrastes e nem sombras definidas. Fica tudo bem harmonioso. Dias nublados tendem a ter uma iluminação bem distribuída, são ótimos para fazer fotos externas.

Light Painting
É literalmente “pintar com luz”. Você pode usar lanternas e outros objetos luminosos para iluminar apenas as partes que interessar, pelo tempo que desejar. As possibilidades são muitas, afinal a luz não é fixa. O resultado é de uma iluminação aveludada, com uma atmosfera de sonho (se você estiver utilizando a Light Painting profissional). E também serve para brincar de escrever, desenhar ou o que mais você quiser.

por Paula Korosue

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por JotaPê Correia

Também existem filtros de gelatina que podem ser colocados nas fontes de luz a fim de aumentar uma coloração específica, as luzes podem ser misturadas e muitas angulações podem ser escolhidas. O resultado final, bom ou ruim, só depende do olhar individual de cada fotógrafo. O importante mesmo é experimentar – sempre!

por slimmer_jimmer

Tipos de iluminação eh um post do Fos Grafe

São vasilhas, raladores, panelas, escorredores e, até mesmo, uma lixeira, que se transformaram em difusores, resultando em fotografias bem inusitadas e indiscutivelmente bem feitas. Eu adorei os resultados! Abaixo segue alguns exemplos de imagens que o fotógrafo capturou utilizando utensílios culinários. Mas você pode ver mais resultados no blog dele. Vale muito a pena!

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Cozinhando com luz eh um post do Fos Grafe